PORCUPINE TREE

TRIBUTE

Όλα σίγασαν μετά την μεγαλύτερη εμφάνισή τους ως τότε, στο Royal Albert Hall, τον Οκτώβριο του 2010. Οι περιστασιακές απαντήσεις του ηγέτη και δημιουργού τους δεν άφηναν μεγάλες πιθανότητες στα αρχεία που περίμεναν υπομονετικά σε κάποιον σκληρό δίσκο την απελευθέρωση. Η μόνη εξέλιξη ήταν η μετονομασία τους σε PT2012, αργότερα PT2015, PT2018 και ούτω καθεξής. Ο φετινός Νοέμβριος έφερε όμως τελικά αυτό που αποτελούσε μια μεγάλη ονείρωξη για το οικουμενικό κοινό του προοδευτικού rock. Οι Porcupine Tree επιστρέφουν με νέο άλμπουμ το 2022, και τίτλο “Closure/Continuation”. Οι Steven Wilson, Richard Barbieri και Gavin Harrison επιστρέφουν και επί σκηνής με κάποιες από τις ημερομηνίες της περιοδείας τους να έχουν ήδη αναρτηθεί. Θα υπάρχει χρόνος στο άμεσο μέλλον να απαντηθούν αρκετές ερωτήσεις, με πρώτη σίγουρα την απουσία του μπασίστα Colin Edwin. Ως τότε και ενώ απολαμβάνουμε ήδη το πρώτο νέο δείγμα με το lyric βίντεο του “Harridan”, μπορούμε να κάνουμε μια αναδρομή μέσα από τα λόγια του Steven Wilson στον μακρύ και ξεχωριστό μουσικό τους δρόμο.

“Η πρώτη μουσική με την οποία πραγματικά ενθουσιάστηκα ήταν το New Wave Of British Heavy Metal. Όταν ήμουν 10, 11 χρονών, υπήρχαν μπάντες όπως οι Iron Maiden, οι Diamond Head που εμφανίστηκαν τότε για πρώτη φορά. Μου άρεσαν και οι δύο αυτές μπάντες. Μου άρεσαν επίσης συγκροτήματα όπως οι Saxon και περνούσαν από τη μικρή μου πόλη έξω από το Λονδίνο. Πηγαίναμε τότε να τους δούμε να παίζουν ζωντανά, με τους φίλους μου. Και μετά, για να είμαι ειλικρινής, έχασα πραγματικά την επαφή με το metal για περίπου 20 χρόνια. Ασχολήθηκα με την progressive μουσική και την Kraut rock και την ψυχεδελική μουσική και πραγματικά έχασα την επαφή μαζί του. Μάλλον δεν του έδωσα τα ανάλογα εύσημα για την αξία του. Στη συνέχεια, γύρω στο τέλος του αιώνα, στην αλλαγή της χιλιετίας, το 2000, ξαφνικά στράφηκα σε όλη αυτή τη σκηνή των εξαιρετικά φιλόδοξων metal γκρουπ. Σχεδόν απάντησε σε μια ερώτηση που είχα, η οποία ήταν, “τι κάνουν όλοι οι ενδιαφέροντες μουσικοί σήμερα;” Γιατί σίγουρα δεν σχημάτιζαν ενδιαφέροντα progressive-rock γκρουπ.

Έτσι ανακάλυψα ότι οι περισσότεροι από αυτούς τους τύπους έφτιαχναν ομάδες ακραίου metal. Και μιλάω για μπάντες όπως οι Meshuggah. Και οι Meshuggah ήταν το συγκρότημα, περισσότερο από οτιδήποτε άλλο, που με γύρισε πίσω στο metal και στην ιδέα ότι θα μπορούσες να έχεις brutal μουσική που ήταν επίσης πολύπλοκη και groovy. Δεν ήταν απαραιτήτως έξυπνο ή ευφάνταστο, ήταν όμως βάναυσο και δυνατό, αλλά είχε και πολυπλοκότητα. Μετά, φυσικά, δέχτηκα την πρόσκληση να συνεργαστώ με τους Opeth και ανακάλυψα τη μουσική τους. Οι Meshuggah και οι Opeth είναι τα δύο πιο σημαντικά metal συγκροτήματα που έχω ανακαλύψει, όπως και οι Γάλλοι Gojira, αλλά και οι Mastodon.

Όμως, δεν έχω πραγματικά συνείδηση των ειδών με αυτόν τον τρόπο. Μεγάλωσα στη δεκαετία του ’80 και με περιέβαλλε η μουσική εκείνης της εποχής, αλλά ταυτόχρονα γυρνούσα πίσω και ανακάλυπτα τη μουσική των δεκαετιών του ’60 και του ’70. Μου άρεσαν όλα. Για μένα, ήταν απλά ωραία μουσική. Ποτέ δεν γνώριζα πραγματικά τη γενική διάκριση μεταξύ, για παράδειγμα, των Pink Floyd, Donna Summer, Joy Division, Stevie Wonder, Throbbing Gristle, Abba ή Kraftwerk, και ακόμα δεν το κάνω.

Στο πρώτο άλμπουμ, το “On The Sunday Of Life…”, έγραψα και έπαιξα τα πάντα μόνος μου για να στηρίξω ουσιαστικά τη μυθική ύπαρξη των Porcupine Tree. Αρχικά προοριζόταν να μην είναι τίποτα περισσότερο από μια περίτεχνα συνωμοτική φάρσα – γεμάτη από φανταστικά μέλη του συγκροτήματος για να ακολουθήσει μια επινοημένη ιστορία του πώς δημιουργήθηκε το συγκρότημα. Tο “On the Sunday Of Life…” ηχογραφήθηκε κυρίως σαν ένα δικό μου βίτσιο, αλλά τελικά πούλησε περισσότερα από 20.000 αντίτυπα. Όταν έκανα αυτή τη μουσική, που ήταν στις αρχές του ’90, φαινόταν επιφανειακά ότι ήταν η χειρότερη δυνατή στιγμή για να προσπαθήσω να φτιάξω αυτό το είδος μουσικής. Όλοι άκουγαν Nirvana και Soundgarden και κάθε είδους νέο grunge. Ακόμη και η ιδέα ενός σόλο κιθάρας φαινόταν σαν να ήταν εντελώς “παράνομη”. Δεν θα μπορούσες να κάνεις τέτοια πράγματα μόνος σου, 15λεπτα μεγάλα κομμάτια και εκτεταμένα σόλο κιθάρας. Φαινόταν η χειρότερη δυνατή στιγμή, αλλά αυτό που βρήκα ήταν ότι στην πραγματικότητα υπήρχαν πολλοί άλλοι άνθρωποι σαν εμένα που τους έλειπε αυτή η δημιουργικότητα και ζητούσαν αυτή τη φιλοδοξία στη μουσική. Υποθέτω ότι από εκείνο το σημείο και μετά άρχισα να μαζεύω σταδιακά αυτούς τους ανθρώπους όσον αφορά τη δημιουργία μιας βάσης θαυμαστών. Δεν ήταν εύκολο να γίνει αυτό γιατί υπήρχε δρόμος προς αυτούς τους ανθρώπους. Αυτό ήταν πριν από το Διαδίκτυο και δεν υπήρχαν περιοδικά που έγραφαν για τη μουσική και δεν υπήρχαν ραδιοφωνικοί σταθμοί που έπαιζαν αυτή τη μουσική. Σίγουρα δεν θα μπορούσες να βάλεις αυτή τη μουσική στην τηλεόραση. Έτσι, αυτή η διαδικασία δημιουργίας κοινού και εύρεσης αυτών των ανθρώπων έγινε από στόμα σε στόμα και πολύ αργά που πήρε κυριολεκτικά χρόνια για μένα, αν όχι δεκαετίες.

Το πρώτο τραγούδι στο άλμπουμ ήταν το «Music For the Head», ένα ορχηστρικό κομμάτι. Δεν ήξερα ότι η ορχηστρική μουσική θα ήταν ένα μεγάλο μέρος της πορείας των Porcupine Tree. Λοιπόν, δεν ήταν πραγματικά συνειδητό γιατί εκείνη την εποχή έφτιαχνα τη μουσική για πλάκα. Έφτιαχνα τη μουσική ακούγοντας, όπως είπα, και αντλούσα από τη μουσική που αγαπούσα και τη μουσική που άκουγα. Στην περίπτωση ενός τέτοιου κομματιού, μπορώ να αναφέρω μπάντες όπως ο Gong ή το συγκρότημα Quintessence από τις αρχές της δεκαετίας του ’70. Ναι, τέτοια συγκροτήματα χρησιμοποιούν αυτό το drone και τον ινδικό μυστικισμό με φλάουτα και ξύλινα πνευστά και ψυχεδελικές υφές. Δεν ήταν συνειδητό πράγμα. Για να είμαι ειλικρινής, πολλή από αυτή τη μουσική φτιάχτηκε μόνο για να παιχτεί στους φίλους μου και δεν υπήρχε καμία συνειδητή προσπάθεια να κάνω κάτι περισσότερο. Γιατί οι Porcupine Tree εκείνη την εποχή δεν θα ήταν κάτι παραπάνω από ένα μοναδικό πράγμα. Θα ήταν απλώς ένα διασκεδαστικό έργο και μετά θα προχωρούσα στο επόμενο πράγμα. Παραλίγο να γίνει θύμα της δικής του επιτυχίας…

Βέβαια, ήδη από το “The Sky Moves Sideways”, υπήρχε περισσότερο μια προσέγγιση μπάντας από το να παίζω απλά όλα τα όργανα. Και νομίζω ότι αυτό άρχισε να εμφανίζεται περισσότερο στο επόμενο άλμπουμ, “Signify” γιατί αυτό ήταν πραγματικά το πρώτο άλμπουμ που υπήρχε συγκρότημα από την αρχή μέχρι το τέλος. Το “The Sky Moves Sideways” ήταν σαν ένας μεταβατικός δίσκος. Δεν είναι ο αγαπημένος μου δίσκος. Είναι εκείνο που νομίζω ότι πλησίασα περισσότερο στο να ακούγομαι πολύ σαν τη μουσική που άντλησα από το παρελθόν. Και τότε νομίζω ότι είχα αφοσιωθεί περισσότερο στην ιδέα να προσπαθήσω να κάνω κάτι πιο αυθεντικά προοδευτικό με την αληθινή έννοια της λέξης. Οπότε αυτή ήταν μια σταδιακή διαδικασία. Νομίζω ότι οι περισσότεροι άνθρωποι κάνουν αυτό, οι περισσότεροι τύποι νέων μουσικών τείνουν να περνούν μερικά χρόνια δουλεύοντας μέσα από τις επιρροές τους και πραγματικά να βρίσκουν τη δική τους προσωπικότητα μέσα σε αυτό. Πέρασα τρία ή τέσσερα άλμπουμ για να το κάνω αυτό. Κάπως δούλεψα τις επιρροές μου και άρχισα να βρίσκω μια δική μου φωνή, η οποία ήρθε πραγματικά στο προσκήνιο, υποθέτω, όταν άρχισα να δουλεύω με άλλους μουσικούς. Όταν ξεκινάς να δουλεύεις με άλλους μουσικούς από προεπιλογή, τείνεις να έχεις περισσότερο ένα είδος χωνευτηρίου, έτσι οι επιρροές γίνονται πιο πλάγιες και γίνονται περισσότερο ένα μείγμα. Και από αυτή την άποψη τείνεις να αρχίζεις να αναπτύσσεις περισσότερο μια ξεχωριστή φωνή ως ένα είδος οντότητας.

Και στα δυόμισι χρόνια μεταξύ του “Stupid Dream” και του “Signify” άλλαξαν πολλά στο ακουστικό μου γούστο και σε αυτό που θεωρώ ότι είναι το είδος του υλικού στο οποίο θέλω να δουλέψω. Επίσης, προέκυψε η αυξημένη εμπιστοσύνη στον εαυτό μου ως τραγουδιστή και στιχουργό, κάτι που έρχεται με τον καιρό. Γιατί ποτέ δεν θεώρησα τον εαυτό μου τραγουδιστή. Είναι κάτι που με ώθησε από προεπιλογή γιατί… ήταν ένα σόλο project. Ήμουν λοιπόν ο κιθαρίστας, ο μπασίστας και έπρεπε να είμαι όλα αυτά τα πράγματα. Και ένα από τα άλλα πράγματα που έπρεπε να γίνω ήταν τραγουδιστής και στιχουργός. Και παρόλο που αυτό δεν ήταν κάτι που μου ήρθε φυσικά, νομίζω ότι όσο περνούσε ο καιρός γινόμουν όλο και καλύτερος σε αυτό. Θα έλεγα ότι η μεγαλύτερη επιρροή ήταν το ενδιαφέρον μου για τον Brian Wilson και τους Beach Boys. Άκουγα πολύ πράγματα όπως το Pet Sounds και όλο αυτό το είδος τραγουδιών αρμονίας. Επίσης πράγματα όπως οι Todd Rundgren, Crosby, Stills, Nash and Young, οτιδήποτε έχει πολύ καλό τραγούδι. Ήμουν ιδιαίτερα εμμονικός σε αυτό το θέμα όταν έγραφα αυτό το άλμπουμ. Και κάπως με ενδιέφερε η ιδέα του ποπ τραγουδιού ως ένα είδος πειραματικής συμφωνίας αν θέλετε. Ξέρω ότι αυτό ακούγεται προσχηματικό, αλλά αυτό είναι κάτι που πάντα πίστευα ότι έκανε ο Brian Wilson σε πράγματα όπως το “Pet Sounds”, αυτό που έκαναν οι Beatles σε άλμπουμ όπως το “Revolver” και το “Sgt Pepper”, δημιουργώντας σχεδόν αυτό το εξαιρετικό είδος πειραματικών ποπ συμφωνιών.

Νομίζω ότι είναι μεγάλος μύθος ότι η πιο πειραματική μουσική προέρχεται από το progressive πεδίο και η πιο πειραματική μουσική τείνει να είναι αρκετά εκτεταμένα κομμάτια. Πιστεύω ότι ισχύει το αντίθετο. Νομίζω ότι τα εκπληκτικά κομμάτια της ποπ μουσικής εξακολουθούν να είναι πράγματα όπως το “Tomorrow Never Knows” στο Revolver που διαρκεί δυόμισι λεπτά, το “God Only Knows” στο Pet Sounds που διαρκεί δυόμισι λεπτά… αυτά για μένα αντιπροσωπεύουν την κορυφή της λαϊκής μουσικής. Και έτσι υπήρξε ένα είδος μετατόπισης στη σκέψη μου μακριά από μεγάλα αφηρημένα κομμάτια με όργανο προσανατολισμό σε κομμάτια που είχα την ελπίδα ότι θα είχαν μια πολύ πιο διαχρονική ποιότητα. Τα προηγούμενα χρόνια χαρακτηρίζονταν για μένα από αυτή την ιδέα της εκτεταμένης σύνθεσης που βασιζόταν σε μεγάλο βαθμό στο jamming ή στις υφές ή στα drones ή στο space rock ή όπως αλλιώς θέλεις να το ονομάσεις. Ένιωσα πια ότι μπορούσα να φτάσω να μάθω περισσότερα για την τέχνη του τραγουδιού και την κατασκευή τραγουδιών και στην πραγματικότητα να δημιουργώ γέφυρες και ρεφρέν και να χρησιμοποιώ τα φωνητικά με έναν πιο συμπαγή τρόπο. Έτσι, όταν επέστρεψα αργότερα για να κάνω τη μεγαλύτερη μορφή σύνθεσης, δεν ήταν με τον ίδιο τρόπο που έκανα τα πρώτα χρόνια. Ήταν πολύ πιο δομημένη και είχα αυτό το είδος της πειθαρχίας του τραγουδοποιού που υποθέτω ότι εξερεύνησα και έμαθα στα προηγούμενα άλμπουμ όπως το “Stupid Dream” και το “Lightbulb Sun”. Ήταν σίγουρα ένα σημαντικό βήμα.

Το “Stop Swimming” από το άλμπουμ “Stupid Dream” είναι ένα από τα αγαπημένα μου. Είχε ένα είδος πνευματικότητας. είναι ένα τραγούδι που για μένα είναι πολύ πνευματικό. Υπάρχουν δισεκατομμύρια τραγούδια εκεί έξω φυσικά και δεν θα σε αγγίξουν όλα με τρόπο που να πούμε ότι τα τραγούδια του Brian Wilson με άγγιξαν. Και νομίζω ότι η ποιότητα που αναζητώ είναι αυτή η πνευματική ποιότητα που θα κάνει να το αποκτήσουν και άλλοι άνθρωποι. Όταν ακούω ανθρώπους όπως ο Nick Drake το νιώθω ή ο John Martyn το νιώθω. Και το “Stop Swimming” για μένα ήταν η πρώτη φορά που ένιωσα ότι είχα κάνει ένα τραγούδι που αγγίζει αυτό το είδος ποιότητας που πραγματικά άγγιξε και συγκίνησε πραγματικά τους ανθρώπους. Όχι μόνο μέσα από τους στίχους αλλά και μέσα από την όλη αίσθηση της μουσικής. Οπότε παραμένει για μένα ένα από τα ορόσημα στην καριέρα μου.

Το “Lightbulb Sun” ήταν ένα άλμπουμ έγινε σχεδόν πολύ σύντομα μετά το “Stupid Dream”. Γράφτηκε πράγματι αμέσως μετά το “Stupid Dream”, οπότε μοιάζει σχεδόν με την άλλη όψη του ίδιου νομίσματος. Νομίζω ότι είχα γράψει αυτά τα τραγούδια σχεδόν πριν βγει το “Stupid Dream”. Οπότε για μένα έρχονται σχεδόν σαν δύο μέρη ενός διπλού δίσκου. Η μεγάλη αλλαγή πορείας ήρθε με τον παρακάτω δίσκο, “In Absentia”. Αυτό ήταν το μεγάλο βήμα σε κάτι νέο. Το “Lightbulb Sun” ήταν πιθανώς αυτό που θα χαρακτήριζε κανείς ενιαίο δίσκο. Στο «Where We Should Be” υπάρχει ένα όμορφο και χαρακτηριστικό παράδειγμα της προσέγγισής μου στην ακουστική κιθάρα. Λατρεύω πολλούς καλλιτέχνες τύπου τραγουδιστή/τραγουδοποιών ακουστικής κιθάρας είτε είναι ο Joni Mitchell, ο Neil Young ή ο Nick Drake ή John Martyn και τέτοιοι άνθρωποι. Υποθέτω ότι πάντα μου άρεσαν οι πολύ οργανικοί ήχοι και σίγουρα εκείνη την εποχή, ναι, κάπως ερωτεύτηκα ξανά την ιδέα του τροβαδούρου και του τραγουδιστή/τραγουδοποιού.

Δουλέψαμε με τον Gavin Harrison για πρώτη φορά στο “In Absentia”. Στο μεταξύ, όλα γράφτηκαν πριν εμφανιστεί ο Gavin. Ακόμη και τα μέρη των τυμπάνων ήταν κατά κάποιο τρόπο προγραμματισμένα. Είναι όμως μια από εκείνες τις στιγμές στη ζωή που τα πάντα συνδυάζονται. Είχα γράψει αυτά τα τραγούδια και με ενδιέφερε πολύ περισσότερο εκείνη την εποχή, έχοντας δουλέψει με τους Opeth η ιδέα να συνδυάσω μια πιο δυναμική ή metal πτυχή ξανά στο φάσμα της μουσικής. Την ίδια στιγμή εμφανίστηκε ο Gavin, και ο Gavin ήταν ένας πολύ διαφορετικός ντράμερ από τον προηγούμενο ντράμερ μας, τον Chris Maitland. Ήταν πολύ πιο ισχυρός και πολύ πιο τεχνικός. Είχε ένα αισθητά σύγχρονο πλεονέκτημα στον ήχο του, οπότε ήταν απλά μια από αυτές τα πραγματικά τυχερές συγκυρίες όπου μόλις μπήκε και έπαιξε αυτά τα τραγούδια, αμέσως ξεσήκωσε τους πάντες και τα πάντα κάπως έγιναν ένα. Και φυσικά ήταν ο πρώτος δίσκος που κάναμε για τη νέα μας δισκογραφική και υπογράψαμε για πρώτη φορά σε μια μεγάλη αμερικανική εταιρεία [Lava Records]. Ο Gavin ήταν το τελευταίο κομμάτι αυτής της εξίσωσης με έναν τρόπο που απλώς ανέβασε τελείως τον πήχη όχι μόνο όσον αφορά τα τύμπανα αλλά και τη μουσικότητα σε όλο το συγκρότημα. Όλοι άκουγαν τον Gavin και έλεγαν, “fuck wow!, πρέπει πραγματικά να βελτιώσουμε το παίξιμό μας”.

Είχα γράψει ένα σενάριο ταινίας με έναν φίλο μου σκηνοθέτη πριν από μερικά χρόνια που ονομαζόταν “Dead Wing”. Το κάναμε αυτό βασικά επειδή ήταν ένας σκηνοθέτης που δεν είχε κάνει ποτέ ταινία μεγάλου μήκους στο παρελθόν… είχε κάνει pop promos, ταινίες μικρού μήκους, διαφημίσεις. Του είπα μια μέρα γιατί δεν προσπάθησε ποτέ να αποκτήσει ένα χαρακτηριστικό και η απάντηση ήταν κάτι σαν να μην ήταν ποτέ αρκετά καλά τα σενάρια. Οπότε πρότεινα, “και οι δύο αγαπάμε τις ταινίες, γιατί δεν καθόμαστε να προσπαθήσουμε να το κάνουμε” νομίζοντας ότι φυσικά θα ήταν εύκολο. Ήταν τόσο πολύ δύσκολο και περάσαμε περίπου δυο χρόνια για να το κάνουμε. Φυσικά είναι πολύ δύσκολο να απογειώσεις μια ταινία από την άποψη της παραγωγής. Σκέφτηκα καλά όταν έψαχνα για το θέμα του νέου άλμπουμ, και αναρωτήθηκα γιατί να μην τα συνδυάσω και τα δύο. Εάν το άλμπουμ είναι επιτυχημένο, μπορεί να μας βοηθήσει να ξεκινήσουμε την ταινία και ούτως ή άλλως ήταν ένα ενδιαφέρον θέμα. Είναι βασικά μια πολύ σουρεαλιστική ιστορία φαντασμάτων. Πολύ ευρωπαϊκή , γιατί είμαστε και οι δύο λάτρεις του ευρωπαϊκού κινηματογράφου και αμερικανών σκηνοθετών που εργάζονται με πολύ ευρωπαϊκό τρόπο όπως οι Kubrick, David Lynch, πολύ αντιεμπορική και μελαγχολική, κατά κάποιο τρόπο ήταν το αντίστοιχο των Porcupine Tree με κινηματογραφικό τρόπο. Έτσι η μουσική του δίσκου είναι ροκ μουσική αλλά πολύ εκλεπτυσμένη ροκ μουσική, είναι πολύ ευγενική, όχι πολύπλοκη αλλά στοχαστική και αρκετά καλλιτεχνική στον τρόπο παραγωγής της. Τείνει να είναι αρκετά μελαγχολική, είναι αρκετά σκοτεινή αλλά είναι και αρκετά δυναμική μουσική. Υποθέτω ότι ο καλύτερος τρόπος για να το περιγράψω είναι ότι είναι μια πολύ κινηματογραφική μορφή μουσικής που τείνει να προσπαθεί να σε οδηγήσει σε κάποιο είδος μουσικού ταξιδιού που ίσως θα μπορούσε να συγκριθεί με την παρακολούθηση μιας ταινίας. Το άλμπουμ περνάει από πολλές διαφορετικές διαθέσεις, πολλούς διαφορετικούς ήχους & υφές, μοιάζει σαν ένας πλήρης κύκλος μουσικής παρά με δέκα pop τραγούδια.

Διάβασα κάποια στιγμή ένα βιβλίο του Bret Easton Ellis που ονομάζεται “Lunar Park. Είναι ο τύπος που έγραψε το American Psycho, και αυτό το βιβλίο είναι για τη δυσλειτουργική σχέση ενός πατέρα και ενός γιου, και ο γιος, για μένα, ήταν βασικά το πρότυπο για τον κύριο χαρακτήρα στο “Fear Of A Blank Planet”. Είναι ένα 10χρονο αγόρι που παίρνει πολλά συνταγογραφούμενα φάρμακα, περνά τον περισσότερο χρόνο του στην κρεβατοκάμαρά του στο διαδίκτυο παίζοντας Sony PlayStation, βλέποντας τηλεόραση στο κινητό του, χρησιμοποιώντας το iPod του στο εμπορικό κέντρο: το είδος του αρχέτυπου “παιδί της κενής γενιάς” κατά κάποιο τρόπο. Έγινε το πρότυπο για μένα για το μεγαλύτερο μέρος της θεματολογίας του νέου δίσκου. Είναι κάτι για το οποίο, για μένα, ως μουσικό, ως τραγουδοποιό, αυτό ήταν το θέμα για το οποίο ένιωσα μεγαλύτερη συγκίνηση να γράψω. Είναι αυτό που με απασχολεί περισσότερο από οτιδήποτε άλλο. Πώς ο 21ος αιώνας, ο πολλαπλασιασμός της τηλεοπτικής πραγματικότητας, ο πολλαπλασιασμός των gadget, ο πολλαπλασιασμός του Διαδικτύου, των κινητών τηλεφώνων, των iPods, των PlayStations, του “American Idol”, “Big Brother”—πώς όλα αυτά τα πράγματα επηρεάζουν το είδος του αναπτυσσόμενου νου, του εκκολαπτόμενου νου; Τι είδους παιδιά δημιουργούμε με αυτό το είδος διατροφής, αυτόν τον απίστευτο λευκό θόρυβο πληροφοριών, gadget και ναρκωτικά και βία και πορνογραφία και ειδήσεις και όλα αυτά τα πράγματα; Το νιώθω κι εγώ. Δεν νομίζω ότι έχω ανοσία από αυτό. Νομίζω ότι όλοι υποφέρουμε από αυτή την απίστευτη υπερφόρτωση πληροφοριών που έχουμε τώρα στον 21ο αιώνα. Δεν διαβάζω τόσο πολύ όσο όταν ήμουν παιδί, και όταν διαβάζω, δυσκολεύομαι πολύ να συγκεντρωθώ σε ένα βιβλίο για κάτι περισσότερο από δύο ή τρεις σελίδες. Και αυτό δεν συνέβαινε ποτέ για μένα όταν ήμουν έφηβος, αλλά τώρα διαπιστώνω ότι υπάρχει τόσο πολλή απόσπαση της προσοχής στον σύγχρονο κόσμο που η διάρκεια συγκέντρωσης μου είναι πολύ μικρότερη, η διάρκεια της προσοχής μου είναι πολύ μικρότερη. Αλλά τουλάχιστον έχω κάποιο πλαίσιο για αυτό και θυμάμαι πώς ήταν παλιά. Για τα παιδιά που μεγαλώνουν τώρα, γεννιούνται σε αυτόν τον κόσμο, αυτό είναι το μόνο που θα ξέρουν ποτέ. Αυτό είναι μια πραγματική βαθιά ανησυχία για μένα, και γι’ αυτό ήθελα να εξερευνήσω αυτό το θέμα στο άλμπουμ. Το “Sound Of Muzak” στο “In Absentia” αφορούσε την υπερφόρτωση της μουσικής, τον πολλαπλασιασμό της μουσικής, την κουλτούρα λήψης και το πώς όλα αυτά τα πράγματα, οι τακτικές μάρκετινγκ των ειδών και των δισκογραφικών εταιρειών, το MTV και όλα αυτά σταδιακά έχουν διαβρώσει ό,τι ιδιαίτερο έχει η μουσική και τι ήταν η ψυχή της μουσικής. Υποθέτω ότι το “Fear Of A Blank Planet” είναι μια επέκταση αυτής της ιδέας κατά κάποιο τρόπο. Το συσχετίζει περισσότερο με όλες τις πτυχές του κόσμου που ζούμε.

Νομίζω πως το επόμενο άλμπουμ, το “The Incident” για μένα είναι μια περαιτέρω αντανάκλαση της απόστασης εκείνο τον καιρό μεταξύ του κόσμου γύρω μας και της πραγματικότητας και αυτής της αίσθησης αποξένωσης που νιώθουμε όλοι από αυτή την απίστευτη υπερφόρτωση πληροφοριών που έχουμε. Το όλο θέμα σχετικά με το “The Incident” και τη χρήση της λέξης “περιστατικό” ή άλλων λέξεων παρόμοιας φύσης είναι να μας δώσει την άδεια να απομακρυνθούμε από τα φρικτά πράγματα και τα δραματικά γεγονότα που συμβαίνουν γύρω μας όλη την ώρα. Το θέμα είναι ότι καταλαβαίνω απόλυτα γιατί τα μέσα ενημέρωσης πρέπει να το κάνουν αυτό γιατί αν έπρεπε να νιώσουμε κάποιο είδος συναισθηματικής αντίδρασης σε όλα τα φρικτά πράγματα που συμβαίνουν στον κόσμο, θα ήμασταν όλοι συναισθηματικά ράκη, αλλά ταυτόχρονα υπάρχει κάτι ουσιαστικά παράδοξο για αυτό, για το γεγονός ότι μπορούμε να απομακρυνθούμε από φαινομενικά πολύ σοβαρά και πολύ τραυματικά γεγονότα και ταυτόχρονα προφανώς να νιώσουμε τέτοια συναισθηματική ενότητα για τον θάνατο ενός ποπ σταρ. Είναι σχεδόν σαν τα μέσα ενημέρωσης να περιμένουν τέτοιες στιγμές. Είναι αυτό που αποκαλώ το φαινόμενο της Πριγκίπισσας Νταϊάνα – κάποιος που πιθανώς δεν είχε πραγματική επιρροή ή αντίκτυπο στη ζωή σου, μόλις πεθάνει, υπάρχει σχεδόν αυτή η ενθάρρυνση να νιώσεις αυτό το απίστευτο κύμα θλίψης και πένθους και συναισθηματικής ενσυναίσθησης – όπως είδαμε με τον Michael Τζάκσον. Αλλά την ίδια στιγμή υπάρχουν περιστατικά στις ειδήσεις κάθε μέρα που είναι πολύ πιο σοβαρά και επηρεάζουν πολύ περισσότερες ζωές με πολύ πιο τραυματικούς και δραματικούς τρόπους με τους οποίους δεν έχουμε καθόλου ενσυναίσθηση ή συναισθηματική απήχηση. Και νομίζω ότι αυτή είναι η θεμελιώδης ανθρώπινη φύση στην οποία προσπαθώ να φτάσω στον πυρήνα εξερευνώντας αυτά τα πράγματα.

Αυτό είναι προφανώς ένα άλμπουμ που έχει… δύο πτυχές – έχει μια πτυχή που είναι εξαιρετικά αυτοβιογραφική, ίσως το πιο αυτοβιογραφικό υλικό που έχω γράψει ποτέ. Αυτό το κομμάτι δεν είναι ιδιαίτερα σκοτεινό, είναι αρκετά συναισθηματικό κατά κάποιο τρόπο μιλάει για την παιδική μου ηλικία και τα περιστατικά που επηρέασαν τη ζωή μου. Ταυτόχρονα, υπάρχει και αυτή η άλλη πλευρά που μιλάει για εξαιρετικά σκοτεινά πράγματα που δεν έχουν καμία απολύτως σχέση με τη ζωή μου και από αυτή την άποψη έχω την ίδια αποστασιοποίηση από αυτά όπως παρακολουθώ τις ειδήσεις. Αλλά, ταυτόχρονα, προσπάθησα να επαναφέρω λίγη από αυτή τη συναισθηματική απήχηση, ίσως μυθιστορώντας το υπόβαθρο και τις λεπτομέρειες αυτών των ιστοριών και προσπαθώντας να φτάσω στον πυρήνα αυτών των πραγμάτων. Έτσι γράφω για πράγματα όπως ανθρωποκτονίες και θρησκευτικές λατρείες και απαγωγές παιδιών και όλα αυτά είναι αρκετά ανησυχητικά θέματα, και προφανώς οι Porcupine Tree έχουν έναν αρκετά σκοτεινό και μελαγχολικό ήχο ούτως ή άλλως, αλλά αυτά είναι πράγματα που στην πραγματικότητα έχουν μια συγκεκριμένη αρρώστια στη διαδικασία του να γράψω γι ‘αυτά και να προσπαθήσω να τις μεταδώσω με συναισθηματικό τρόπο. Μπορεί να είναι αρκετά ενοχλητικό για εμένα και ως συγγραφέα και ως ακροατή.

Νομίζω ότι η απάντηση στην ερώτηση του τέλους των Porcupine Tree έχει να κάνει με τη μετάβαση από το να είμαι σε ένα συγκρότημα που ήταν αρκετά γνωστό, και μόλις άρχισε να παίζει μεγάλους χώρους, στην ερώτηση που προκύπτει κάνοντας ένα βήμα πίσω από αυτό και λέγοντας: “ξέρεις τι, αυτό θα μπορούσε να είναι πολύ μεγάλο τώρα, αλλά είναι αυτό που θέλεις να είσαι πραγματικά μεγάλος;”, και επιστρέφοντας με την απάντηση: “όχι”… Αναδρομικά μπορώ να δω ότι χρειάστηκε πολλά κότσια για να γίνει αυτό, και πολλοί άνθρωποι είπαν ότι ήμουν ηλίθιος – μάνατζερ, δισκογραφικές εταιρείες. Έτσι, το να κάνω ένα βήμα πίσω σε μερικά επίπεδα όσον αφορά το κοινό, τις πωλήσεις εισιτηρίων… υπό αυτή την έννοια ήταν μια πολύ κακή επιχειρηματική απόφαση, αλλά σε όλο αυτό ένιωθα πιο ευτυχισμένος από ό,τι ήμουν εδώ και πολύ καιρό. Είμαι από τη φύση μου λίγο control freak, οπότε ήθελα να έχω ξανά αυτόν τον έλεγχο”.

About Γιώργος Γεωργίου 536 Articles
Συνηθίζουν να λένε, «δείξε μου τους φίλους σου να σου πω ποιος είσαι»… Αν μπορούσε λοιπόν να ιδρύσει το δικό του “Cabaret Voltaire”, στους τοίχους του θα είχε κορνίζες με φωτογραφίες του Τάκη Τλούπα και πίνακες των David Bomberg και Edward Hopper. Πάνω στο πατάρι θα είχε τις δύσκολες περιπτώσεις, αυτούς που αν τελικά μάλωναν μεταξύ τους, θα έπρεπε να γίνει σε απομόνωση. Σε ειδικό “triryche design” τραπεζάκι ο Tate με τον De Garmo, και ακριβώς απέναντι σε ευρύχωρο καναπέ ο Fish με τον Steve Hogarth. Μοναχικό τραπέζι με κηροπήγιο και θέα από μικρό παράθυρο στην ομίχλη της πίσω αυλής ο Simon Jones. Φθαρμένο ημίψηλο σκαμπό και μίνι μπαρ δίπλα του για τον Nick Cave. Σκαλιστή πολυθρόνα για τον Ronnie James Dio, και κάθισμα VIP από το Villa Park για τον μουστάκια άρχοντα των ριφ. Φουτουριστικό κουπέ για τρεις σεβάσμιους κυρίους από τον Καναδά, μην τον ρωτήσεις ποιους. Κάτω σε περίοπτη θέση στο μπαρ, τον μορφονιό Joakim Larsson, για να τραβά τις ωραίες γυναίκες, και δίπλα του τον Jim Matheos να τον συμμαζεύει με την ψυχραιμία του όταν χρειάζεται. Σε ένα μικρό τραπέζι στην πιο σκοτεινή γωνιά, η περίεργη παρέα του David Sylvian, του Neil Hannon και του Paddy McAloon. Όταν κάθονται στο μπαρ και οι νεότεροι Einar Solberg, Daniel Tompkins και Daniel Estrin, η χημεία είναι πια ιδανική. Καθόλου άσχημα κι απόψε…